В современной моде прослеживается повышенный интерес к предметам одежды в стиле барокко. В нем нет четкости линий или границ, отсутствует соблюдение каких-либо строгих правил. Он не отличается сдержанностью. Серость и простота просто отсутствуют. Стиль барокко отрицает минимализм, свойственный современности, возвращаясь к изобилию и роскоши XVII века.
История стиля
Зародился этот стиль в Италии на границе XVI-XVII веков. В этой стране в то время созрел конфликт в культуре. В области искусства рождались новые тенденции, которые противопоставили себя существующим тогда строгим традициям классического стиля. Очень скоро они стали востребованы и получили большую популярность, благодаря своей распущенности, склонности к излишествам. Новый стиль получил название барокко, что в переводе с итальянского означает «вычурный».
Отличительные черты
Уже к середине семнадцатого столетия барокко покоряет архитектуру, живопись, музыку, литературу. Использование позолоты в большом количестве отличают этот стиль от ранее существовавших. Главной особенностью в сфере моды становятся текстурированные ткани. Для пошива одежды стали использовать французское кружево, парчу, бархат, дополняя ткани изящной вышивкой.
Барокко в одежде сегодня
Стиль барокко проявляется в современных предметах гардероба несколько скромнее, чем несколько веков назад, но все равно с присущей ему роскошью. Добавляются новые элементы, разрабатываемые домами мод.
Асимметричность – отличительная черта платьев в стиле барокко. Длинные рукава и стоячий воротник, под платьем – корсет, обтягивающий тело и подчеркивающий красоту изгибов. Верх получается изящным, а в противовес этому – пышность юбки. Ткань для таких платьев берется контрастная по своей фактуре. Беспроигрышным вариантом считается сочетание бархата с кружевом, золотыми элементами в виде флористических мотивов, причудливых завитушек или спиралей.
Юбки тоже шьют из плотных тканей насыщенных тонов: темно-зеленого, глубокого лилового, красного, черного. Подобные оттенки являются прекрасным фоном для распускающихся золотых бутонов, вышивки яркими нитями, крупных композиций.
Основой костюмов являются юбки с блузами или топами и платья. Они обязательно дополняются объемными жакетами-бомберами, декорированными золотом – вышивкой или тиснением. Образ должен быть роскошным, но не слишком перегруженным и вычурным, поэтому платье лучше всего выбирать однотонное, юбку — фасона карандаш, а топы и блузы – из легких и струящихся тканей.
Украшения в стиле барокко буквально дышат роскошью. Их отличает изысканность, многообразие форм, богатая детализация. Например, самый обычный ремешок может стать целым произведением искусства, если он украшен вышивкой. Этому стилю свойственна массивность украшений – это касается подвесок, сережек, брошей и даже диадем. Они приковывают к себе взгляды золотом и драгоценными камнями — сапфирами, изумрудами, агатами, аметистами. Допустимы и более скромные украшения, например, жемчуг, от которого исходит мягкое свечение.
Дополнением образа в стиле барокко обязательно становятся ридикюли и клатчи, украшенные вышивкой, камнями больших размеров, золотым орнаментом.
Стиль барокко даже самый обычный день может превратить в праздник, почему бы не поэкспериментировать с этим необычным направлением в женской моде?
Также смотрите:
Депутат госдумы размышляет о запрете рекламы в Google для россиянРоссийские инвесторы стали активно интересоваться криптовалютами
Барокко в одежде сейчас… в 2019 году (с фото)
В нынешним сезоне все эти помпезные, золотые вещицы из гардеробов придворных леди 17-18 века возвращаются на круги своя (но конечно уже не том виде). Барокко в одежде сейчас присутствует практически во всех коллекциях модных дизайнеров. Основные тренды эпохи – это бархатная и парчовая ткань, а также украшение позолотой. Стиль выделяется своей оригинальностью.
Стиль барокко в одежде в 2019 году позволяет женщинам почувствовать себя настоящими принцессами, посмотрите примеры на фото:
Любой даме добавит изящества и аристократичности богатая отделка, материал и изысканные украшения. Есть пару нюансов, которые возможно облегчат жизнь приверженцам барокко в одежде – вы можете надевать платье в стиле барокко, сохраняя его простоту. Или выбрать привычную одежду и подобрать к ней детали в выбранном вами стиле. Оба ансамбля будут полностью отвечать ему и сделают образ женственным и сексуальным.
Барокко не на каждый день, но если внести небольшие изменения – то почему бы и нет? Этот стиль дает большой выбор нежных и романтичных моделей, поэтому будьте внимательны при сложении разных элементов одежды. Если вам хочется выглядеть гламурно, то подберите несколько аксессуаров: кружевные носки и колготки, пинетки, ювелирные изделия, сумки с солнцезащитные очки. Используйте сочетание черного и золотого, а также экспериментируйте с фиолетовым, красным и белым.
Вы можете соединить пиджак или брюки в стиле барокко с классической черной шелковой блузкой. Или, например, вы можете выбрать белую рубашку в стиле барокко с воротничком и классические брюки или юбку-карандаш. Это сделает образ более сбалансированным — вы будете представлять собой частичку викторианской эпохе в современном мире на улице.
Если вы выбираете одежду в стиле барокко, то отдавайте предпочтение вещам высокого качества и хорошо выглядящим тканям и принтам. Модель, имеющая дешевый вид, не прибавит вам аристократичности, женственности и сексуальности.
Модные вещи 2019 года в стиле барокко:
- бархатное пальто, декорированное вышивкой или кружевами, с расклешенными рукавами и подолом в виде юбки;
- кружевное платье;
- накладной воротник на атласной ленте;
- куртка, украшенная позолоченной вышивкой;
- остроносые ботинки на шнурках;
- длинные ожерелья;
- джинсы с декоративными украшениями;
- длинные серьги;
- шарфы в стиле барокко с животными принтами.
Барокко – отличный вариант для вечерних выходов и деловых встреч. Но, несмотря на это, он позволяет сохранить индивидуальность и сексуальность каждой девушке.
Стиль барокко и его ювелирное наследие
Живописный и величественный стиль барокко (англ. Baroque) — «причудливый», «неправильный» в переводе с португальского — возник в 16 веке в Италии. «Кино-гиды» по стилю — «Фаринелли», «Девушка с жемчужной серёжкой». Визитная карточка этого стиля – забавные украшения с неправильной формы «барочной» морской жемчужиной.
Применительно к ювелирному искусству этой эпохи, принято выделять Раннее барокко (1600-1660), Позднее барокко (1660-1725), и Рококо (1725-1775). Мы в данной статье рассматриваем рококо как самостоятельный стиль.
Причины появления и корни этого стиля, пожалуй, следующие: папство решило ударить дубиной искусства (в монументальном и пышном барочном исполнении) по испанцам и французам, диктовавшим тогда условия политики итальянцам. Знать Италии компенсировала утрату власти демонстрацией трубящей роскоши (недопустимой в рамках предыдущего стиля — ренессанса). Барокко — это буйство оптимизма, подчинённое симметрии.
Чертам барокко присущи:
- ясная конструктивность (когда масса выпуклых мелких элементов компонуется в ясно читаемый симметричный силуэт)
- ритмичная композиция (соподчинение элементов друг другу и всему замыслу художника)
- чёткие выпуклые рельефы
- «плотный»растительный орнамент, яркость цвета
Барочная архитектура отличается симметричностью и «скульптурными», волнообразными линиями, где вместо круга скорее – овал, а формы – преувеличены. Многие архитекторы эпохи барокко начинали скульпторами.
Украшения в стиле барокко
В ювелирных изделиях эпохи барокко самыми типичными были такие элементы как золото (реже – серебро), разноцветные эмали и яркие драгоценные камни или крупные жемчужины. Жемчужины были в моде морские, необычной, в том числе, вытянутой формы. Позднее за таким типом жемчуга закрепилось название «барочный жемчуг».
Представители знати носили длинные многорядные нити жемчуга, многодельные серьги «жирандоль» (англ. Girandole или Chandelier – (люстры) earrings) с тремя жемчужными подвесками. Крупными, или же небольшими брошами украшали декольте корсажа, талию. Жемчуг и камни нашивали на платье вместе с лентами.
Ажурные броши-склаважи крепили к шейной ленте или на глубоком декольте (смотрите также фото колье-склаваж в статье о видах колье). Характерны были крупные броши-букеты или переплетенные ветви. Брошь-бант с подвеской назовут «брошь де Севинье» (портрет самой мадам де Севинье — чуть выше). Одежду и обувь украшали драгоценные пряжки.
Стиль классицизм: лёгкость и игривость заменяется отсылкой к античности
Классицизм (англ. Classicism — Neoclassicism) пришёл второй половине 18 века как спокойная уравновешенность форм, гармоничность пропорций, сдержанность и упорядоченность декора (словом, никакого буйства, даже симметричного). Киногид по стилю — «Гордость и предубеждение»1995г. Применительно к ювелирному искусству, эпохой классицизма считается период примерно с 1760 по 1830 гг.
Причины появления этого стиля — усталость от придворной роскоши и мотовства, количественный рост представителей класса буржуазии, а также вполне конкретный импульс — раскопки в 1750-1760 гг. Геркуланума и Помпеи, погубленных Везувием.
Черты классицизма в декоре — это греческий меандр, листья аканта и лавра или дуба, геометрически выверенные розетки и пальметты, медальоны и другие античные мотивы.
Классицизм в украшениях своего времени
(не путать с современными ювелирными изделиями в «классическом стиле»)
В эпоху расцвета классицизма с женщин схлынуло обилие драгоценностей, но иные виды украшений весьма ценились. Скажем, круглые и овальные броши — ими закалывали модные кашемировые шали (носимые поверх тончайших одежд). В золотые оправы брошей вставляли античные камеи (резной камень или раковина; брошь из такого камня или раковины), или эмалевые портретные миниатюры (в окружении мелких бриллиантов или жемчужин). Очень большую роль в украшениях того времени сыграла наполеоновская война — после нее появился отдельный вид «траурных» украшений, например медальоны с вплетенными волосами умерших родственников, либо эмалевые медальоны и кольца с мотивами скорби и памяти.
Большой ажиотаж вызывали старинные геммы (драгоценные камни с углублённой или выпуклой резьбой) из археологических раскопок того времени. Находки вставляли в броши, в кольца, серьги, пряжки, пояса и даже в ожерелья и диадемы. Кольца носили помногу, а на светских раутах порою на всех пальцах рук. Нагие руки украшали множеством золотых обручей, часто с меандром.
Голову украшали золотыми обручами, часто с гравированным меандром. В особых случаях надевали роскошные диадемы с бриллиантами и жемчугом. Диадема (в то время — доминанта парюры) задавала тон декору всех украшений комплекта. В начале XIX века в Европе и России, возродилась техника ажурной филиграни. Из скани составляли ожерелья, плели сетки для волос, собирали на филигрань детали браслетов и колье. Популярны были золотые и серебряные сканые серьги с грушевидной подвеской.
Различия между барокко и рококо
Барокко как стиль живописи, литературы и архитектуры появился в Европе в начале 17 века, сменив собой искусство эпохи Возрождения. Он существовал и развивался параллельно с классицизмом и в противовес ему. Рококо же, по сути, стал продолжением барокко, и реализовался, преимущественно, во внутреннем убранстве замков.
Далее мы расскажем более подробно о гостиных в стиле рококо и барокко. Тем более, что они хоть и являются «старинными» стилями, сегодня находятся на пике популярности.
Белая гостиная в стиле рококо
Особенности интерьеров
В барочных интерьерах во всем чувствуется размах.
- Помещения – просторные с высокими потолками, украшенными лепниной.
- На стенах – живопись, тяжелые золоченые рамы с зеркалами, в комнатах – массивная мебель с причудливыми ножками, широкие кровати с балдахинами, на окнах – тяжелые шторы из дорогих материй. Все это выполнено в сочных, преимущественно темных тонах.
- В фаворе контрасты и игра со светотенью.
В рококо причудливость сохраняется, но масштабы мельчают.
- Отдается предпочтение небольшим, светлым и уютным комнатам.
- Резьба становиться тоньше, материалы – проще.
- В качестве покрытия стен теперь используется дерево и текстиль.
- Контрастность испаряется, а все детали интерьера сливаются в один сюжет.
- На полах появляются ковры, входит в моду цветной паркет.
- Атмосфера становиться легче. Темные, мрачные цвета исчезают, уступая место светлым, пастельным тонам.
- Легче становится мебель. На смену статуям приходят статуэтки.
Современная гостиная в стиле барокко
Как отличить друг от друга
Рококо, появившись позже, стал приемником барокко, унаследовав, но значительно смягчив его черты и уменьшив масштабы. Для наглядности подаем основные характеристики данных стилей в таблице.
Сравнительная таблица стилей барокко и рококо
Барокко в интерьере зала
В наше время интерьеры барокко в чистом виде представлены, пожалуй, в старинных дворцах, ставших сейчас музеями. Стилизацию же не редко можно встретить и в современных домах и квартирах. Разумеется, со временем в этот стиль были привнесены некоторые новшества, но основная концепция сохранилась.
Следующее видео поможет вам разобраться в особенностях оформления комнаты в стиле барокко:
Особенности стиля гостиной
Главными особенностями барокко, сохранившимися и в его современной версии, являются роскошь, масштабность и помпезность. Осуществить эти заветы можно лишь в просторной гостиной с высокими потолками, позволяющими повесить один из основных элементов барочного декора – громоздкую, вычурную позолоченную люстру.
Специалисты отмечают, что лучше всего барокко подходит для оформления спальни, поскольку в этом стиле огромное значение уделяется богатому убранству широких кроватей с балдахинами. Однако применимы барочные приемы и в гостиной.
Обязательными элементами интерьера являются тяжелые шторы, выполненные из дорогой материи насыщенных темных цветов, лепной потолок, паркет на полу, золоченые рамы, тяжелая темная мебель с гнутыми ножками и уже упомянутая люстра.
Фото интерьера гостиной в стиле барокко
Поскольку колонны и лепнину на потолке в интерьерах современных жилых помещений реализовать удается не всегда, главный акцент в гостиной барокко переносится на мебель.
Итак, к предметам мебели в гостиную в стиле барокко выдвигаются следующие требования:
- Она должна быть крупной, тяжелой и помпезной. Кресла и диваны должны быть мягкими и удобными;
- Выбирайте темные насыщенные тона. Наиболее правдоподобно будет смотреться малиновая, красная, золотая обивка. Узоры на ткани должны быть причудливыми и витиеватыми;
- Один из ключевых моментов – изогнутые, фигурные, резные ножки;
- Подлокотники кресел и поверхности столов и комодов должны быть глянцевыми: лакированными или позолоченными;
- В зале должны присутствовать разные виды мебели: тумбы, кресла, пуфы, этажерки, комоды, диваны и пр.
Следующее видео ознакомит вас с примерами мебели как для барокко, так и для рококо:
Материалы
Сразу стоит оговориться, гостиная в стиле барокко – удовольствие не из дешевых. Для создания подобного интерьера используются только качественные дорогие и, желательно, натуральные материалы:
- мрамор,
- слоновая кость,
- элитные сорта дерева (дуб, красное дерево),
- драгоценные металлы.
Конечно же, можно использовать и пластик, имитирующий дерево, но если цветовую гамму и формы воспроизвести таким способом не сложно, то массивности добиться явно не удастся.
Не стоит, также, забывать о текстиле. Гостиная барокко немыслима без штор и гобеленов из дорогих и тяжелых тканей: бархата, атласа, парчи и шелка. Шика добавят кисточки, драпировки, золотистая бахрома.
Роскошное барокко в оформлении зала
Приемы оформления
Итак, чтобы добиться эффекта барочной гостиной, следует на всех этапах оформления комнаты соблюдать установленные данным стилем принципы.
- В отделке стен – это лепнина и украшения в виде живописи и зеркал в массивных рамах. Пол уместнее всего покрыть паркетом.
- Не забывайте, однако, что все детали интерьера должны сочетаться. Украшений должно быть много, но все они должны выглядеть естественно, иначе гостиная из парадной комнаты превратится в хранилище раритетных вещей.
Фото дизайна гостиной в стиле барокко
АБСТРАКТНЫЙ ЭКСПРЕССИОНИЗМ
Дж.Поллок. Моби Дик.1943
Течение в абстрактном искусстве, возникшее в США в 1940-х годах, и представленное главным образом творчеством художников Нью-Йоркской школы. Абстрактный экспрессионизм продолжил «освобождение» искусства от какого-либо контроля разума и логических законов, поставив своей целью спонтанное выражение внутреннего мира художника, его подсознания в хаотических, абстрактных формах и взяв за главный творческий принцип самопроизвольное, автоматическое нанесение красок на холст, происходящее исключительно под влиянием психических и эмоциональных состояний….
Ф.Клайн. Чёрное на зелёном,красном и жёлтом.1948
В стремительном ритме художники покрывали поверхность холста крупными энергичными мазками, при этом нередко прибегая к приему дриппинга (разбрызгивание краски или выдавливание из тюбика). Процесс создания картины часто происходил публично: перед зрительской аудиторией разыгрывался целый спектакль, в котором жесты и движения художника играли такую же активную роль, как и потоки краски, падающие и разливающиеся по холсту.
Абстрактный экспрессионизм доминировал в американской культуре вплоть до начала 1960-х годов, став одним из первых серьезных течений в американской живописи и повлияв на процесс развития всего мирового искусства.
АБСТРАКЦИОНИЗМ
В.Кандинский. Композиция 8 1913.
Одно из главных художественных направлений в искусстве 20 века, в котором структура произведения основывается исключительно на формальных элементах — линии, цветовом пятне, отвлеченной конфигурации. Произведения абстракционизма отрешены от форм самой жизни: беспредметные композиции воплощают субъективные впечатления и фантазии художника, поток его сознания, они порождают свободные ассоциации, движения мысли и эмоциональные сопереживания.
Нельзя назвать ни точного времени возникновения абстракционизма, ни его основоположника. Признанными вдохновителями абстракционизма считаются художники Василий Кандинский, Казимир Малевич, Пит Модриан, Франтишек Купка, Робер Делоне, изложившие основные положения этого направления в своих теоретических трудах и программных заявлениях.
Ф.Леже Девушка с цветком. 1954
Абстракционизм зародился как узкое направление в изобразительном искусстве. В начале1930-х годов стали возникать объединения абстракционистов («конкретное искусство» — 1930 год, «круг и квадрат» — 1930 год, и другие), которые собирали под свои знамена художников разных национальностей и направлений. К середине 1930-х годов интерес к абстракционизму резко упал, и эти объединения распались. Новое рождение он обрел в США, где в начале 1940-х годов появился абстрактный экспрессионизм, оперирующий беспредметными формами для спонтанного выражения внутреннего мира художника.
Последней популярной разновидностью абстракционизма стал зародившийся в 1960-х годах поп-арт, после чего абстрактное искусство ушло в тень.
АВАНГАРДИЗМ
П. Пикассо Три музыканта 1921
Совокупность новаторских, бунтарских течений и направлений в художественной культуре 20 века. На разных исторических этапах роль авангарда играли сменявшие друг друга течения: 1900–1910-е годы — время появления фовизма, кубизма, футуризма, экспрессионизма, дадаизма, абстрактного искусства; в 1920–1930-х годах на первый план выходит сюрреализм; в послевоенный период возникают новые течения абстракционизма — абстрактный экспрессионизм, ташизм, неформальное искусство и др.; 1960–1970-е годы — переходная эпоха от «классического» авангарда к неоавангарду, или постмодернизму, с его составляющими — акционизмом, поп-артом, концептуализмом, кинетическим искусством и другими арт-практиками.
АКАДЕМИЗМ
А.Кабанель Федра. 1880
Направление в изобразительном искусстве, базой развития которого служат художественные академии. История развития академизма связана с «Академией вступивших на правильный путь» в Болонье (около 1585 года), французской Королевской академией живописи и скульптуры (1648 год), и российской Академией трех знатнейших художеств (1757 год). В основе деятельности всех заведений лежала строго регламентированная система обучения, ориентированная на великие достижения предшествующих эпох — Античности и итальянского Возрождения, откуда сознательно отбирались отдельные качества классического искусства, принимавшиеся идеальными непревзойденными.
Путь академизма в искусстве не был отмечен какими-либо великими открытиями или достижениями. В силу своей искусственности («сделанности») и эклектичности, он не является художественным стилем.
А.Бугро Отдых во время жатвы. 1865
Расцвет академизма пришелся на 19 век. Во Франции это направление связано с творчеством таких прославленных мастеров, как Жан Огюст Доминик Энгр, Адольф Вильям Бугро, Александр Кабрнель, Поль Деларош, Жан-Леон Жером, Поль Жозеф Жамен, чьи работы отличаются непревзойденным мастерством исполнения.
Петербургская Академия художеств также взрастила в своих стенах плеяду всемирно известных художников-академистов — Карла Брюлова, Александра Иванова, Генриха Семирадского, Федора Бруни.
А.Альма-Тадема Обнаружение Моисея.1904
В наше время понятие «академизм» вышло за рамки художественного направления: оно получило дополнительное значение и стало применяться по отношению к работам художников, имеющих систематическое художественное образование и классические навыки выполнения произведений высокого уровня технического мастерства.
АКЦИОНИЗМ
Христо и Хан-Клод. Ворота №53 2006
Общее название ряда форм, возникших в авангардистском искусстве 1960-х годов.
Стремление стереть грань между искусством и действительностью приводит художников-авангардистов к поискам новых способов художественного выражения, отличных от традиционных (т.е. статичных) форм, придающих динамику произведению, вовлекая в какое-либо действо (акцию). Акция (или искусство акции) становится общим понятием для художественных практик, в которых акцент переносится с самого произведения на процесс его создания.
К.Ольденбург. Ложка мост,удерживающая вишню. 1985
Истоки Акционизма следует искать в выступлениях дадаистов и сюрреалистов, в деятельности абстракционистов (в частности Д. Поллока), исповедующих принцип экспрессивного письма — «живопись действия».
АНАХРОНИЗМ
К.М. Мариани Рука, ведомая разумом.1983
Одно из течений постмодернистской живописи, предлагающее авторскую интерпретацию искусства прошлого. Явившись результатом отрицания модернизма (т.е. авангардистского направления в искусстве), постмодернизм объявил своей целью возврат к срарым формам, историческим традициям, стилям предшествующей многовековой культуры. В поисках новых форм художники-постмодернисты смешивают художественные стили различных эпох и культур, создавая на этой основе индивидуальную мифологию, соотнесенную с личным опытом автора.
Анахронизм возник в конце 1970-х годов в Италии, позднее распространился и во Франции. Его важнейшим духовным источником стало творчество Джоджо Де Кирико, обратившегося в 1920-х годах после «метафизического периода» к классическому искусству. Анахронисты или «культурные художники», как они сами себя называют, вдохновляются творчеством мастеров эпохи Возрождения, маньеризма и барокко, которых они перефразируют, пародируют, стремясь вписать классическую традицию в мозаичный контекст постмодернистской культуры.
АНАЛИТИЧЕСКОЕ ИСКУССТВО
П. Филонов. Крестьянская семья 1914
Аналитическое искусство – художественный метод, разработанный и обоснованный Павлом Филоновым в теоретических работах («Канон и закон», 1912; «Сделанные картины», 1914; «Декларация «Мирового расцвета»», 1923) и в собственном живописном творчестве.Отталкиваясь от кубизма как носителя рационалистического начала, Филонов противопоставлял ему принцип органического роста (как растет дерево) художественной формы и «сделанности» картин.
П. Зальцман Тройной автопортрет. 1932
Принцип сделанности – главное положение Аналитического Искусства. Художник «строит» свою картину, как природа «творит» из атомов» и молекул более крупные образования. Понимая, «что в любом объекте не два предиката, форма да цвет, а целый мир видимых и невидимых явлений, их эманаций, реакций, включений, генезиса, бытия, известных или тайных свойств, имеющих в свою очередь иногда бесчисленные предикаты», Филонов был убежден, что все это многообразие свойств может быть пластически выражено в живописи.
При создании произведения художник должен опираться не только на явное, видимое («видящий глаз»), но и на незримое («знающий газ», улавливающий скрытые процессы) – внутренние закономерности строения и функционирования изображаемого предмета. Свое внутреннее «видение» предмета или явления художник претворяет в графическо-живописные конструкции, базирующиеся на «законе органического развития формы», заимствованного у природы (подражать не формам, которые она создает, а методам, которыми «действует») и противопоставляющегося «канону» (искусственно построенных формам).
Татьяна Глебова Цветовой вывод
Постигнув этот закон, художник способен» сделать» некую картину, настолько органичную, что она обладает потенциалом саморазвития как бы без участия в этом процессе самого автора (растет и развивается как все живое в природе).П.Филонов верил, что созданное по его методу искусство, — искусство будущего, которое приведет к «Мировому Расцвету», так как основано на гармоничном взаимодействии человека и природы, на число научных принципах, обращенных к интеллекту зрителя, и развивающего его («быть фактором эволюции интеллекта»).Мастера Аналитического искусства: Павел Филонов, Татьяна Глебова, Алиса Порет, Михаил Цибасов, Софья Заклиновская, Павел Зальцман, Павел Кондратьев, Борис Гурвич, Николай Евграфов, Всеволод Сулимо-Самуйлло, Юрий Хржановский
АНДЕРГРАУНД
Оскар Рабин «Бани (Нюхайте одеколон ‘Москва’)», 1966.
Андеграунд (англ.underground – подполье, подземелье) – в узком смысле – любое некоммерческое, экспериментальное искусство; в широком – понятие и явление, возникшее в США в конце 1950-х гг. и означающее «подпольную» культуру как составную часть так называемой контркультуры, противопоставившей себя ограничениям и условностям, господствовавшим в обществе культуры.Искусство андеграунда, проникнутое духом диссидентства. Отвергает и нарушает принятые в обществе политические, моральные и этические ориентации и типы поведения, внедряя в повседневность асоциальное поведение. Типичная тематика американского и европейского андеграунда – «сексуальная революция», наркотики.
Лев Кропивницкий
В советский период это понятие приобрело несколько иной смысл и более политизированные формы: здесь в силу строгости режима почти всякое неофициальное, т.е. не признанное властями, искусство, включая музыку и литературу, оказывалось андеграундом.С середины 1950-х до конца 1980-х гг. «художественная оппозиция» была представлена деятельностью многих объединений, среди которых наибольшую известность получили группы «Лианозовская» (Е.и Л. Кропивницкие, Л. Мастеркова, О.Рабин и др. (с 1956 до середины 1970-х гг.)), «Сретенский бульвар» (И.Кабаков, Э.Неизвестный, Ю.Соболев, Ю. Соостер и др. (с 1960 до середины 1970-х гг.)), «Коллективные действия» (А.Монастырский, Г. Кизельватер, И.Макаревич, С. Ромашко и другие (с 1975 г.)), «Мухоморы» (С.Гундлах, К.Звездочетов, В.Мироненко и др. (с1978г)). В русле андеграунда развивалось творчество художников, не примкнувших ни к каким объединениям (В.Сидур, А.Зверев, М.Шемякин), а представителей соц-арта (Э.Булатов, В.Комар и А.Меламид), других движений авангардизма «(Группа авангардистов», «Чемпионы мира»).
А. Зверев Портрет 1969
После краха политической системы Советского Союза, а вместе с ней снятия ограничений и запретов на свободу художественного творчества, андеграунд как явление культурной жизни сошел на нет.Мастера андеграунда: Лев Кропивницкий, Любовь Мастеркова, Оскар Рабин, Илья Кабаков, Эрнст Неизвестный, Юрий Соболев, Юло Соостер, Кирилл Звездочетов, Михаил Шемякин, Анатолий Зверев, Вадим Сидур, Виталий Комар, Александр Меламид.
АР БРЮТ
Антони Тапиес Рисунок — 4. Серия Берлинские рисунки.
Ар брют (франц. Art brut – грубое, сырое искусство) – направление в европейском искусстве середины ХХ века, основателем и лидером которого был французский художник Жан Дюбюффе, разработавший концепцию чистого искусства, искусства, отвергающего красоту и гармонию. Каждый человек – художник, для человеческого существа рисовать так же естественно, как говорить или ходить. Не обремененный традициями и знаниями «удушающей культуры», он творит инстинктивно и непосредственно.
Ж. Дюбюффе Джаз-банд, 1955
По мнению Дюбюффе, Ар брют – это творчество в наиболее чистом его проявлении: спонтанный психический выплеск из глубин разума и сознания, запечатленный на бумаге или воплощенный в материале.Он обращается к искусству душевнобольных, людей. Изолированных от общества, считая только их истинными художниками, обладающими тем субъективизмом, который придает человеку подлинную индивидуальность.
Вначале Дюбюффе копировал в своих произведениях их стиль, создавая нарочито примитивные, «варварские» формы и образы, фигуративные и абстрактные, поражающие неожиданными цветовыми решениями и как бы неловкой манерой письма. А в 1948 году вместе с писателем-сюрреалистом Андре Бретоном и испанским художником Антони Тапиесом основал в Париже «Компанию грубого искусства», призванную сохранять и изучать искусство маргиналов. Собранная или коллекция, насчитывающая около 5000 рисунков, живописных картин, предметов и скульптур, легла в основу Музея Ар брюта, основанного в 1976 году в Лозанне (Швейцария).
Ж. Дюбюффе Автопортрет, 1958
В современном искусстве понятие «ар брют» включает в себя творчество людей, существующих вне общества, — душевнобольных инвалидов, всевозможных маргиналов, а также произведения Ж.Дюбюффе, вдохновленные этими образцами. Ар брют является частью более широкого направления – «Аутсайдер арт» (искусство аутсайдеров), ставшего за последнее десятилетие серьезным движением в мировом художественном процессе. Во многом это заслуга радикала и воинствующего интиинтеллектуала Жана Дюбюффе, по-новому взглянувшего на мир.Мастера Ар Брют: Жан Дюбюффе, Антонии Тапиес, Адольф Вельфли, Генри Дангер, Мортон Бартлетт, Роземари Кочи, Пол Хамфри. Юджин фон Брюнхенхайн.
АРТЕ ПОВЕРА
Марио Мерц, проект «Шалаш Петра», 1982 г.
Арте повера (итал. Arte povera – бедное искусство) – направление авангарда, оформившееся в итальянском искусстве в конце 1960 – начале 1970-х гг. и получившее широкое распространение в других европейских странах. В его основе лежало создание инсталляций из промышленных и природных объектов, при этом предпочтение отдавалось наиболее простым, «бедным» материалам (таким как земля, песок, уголь, мусорные отбросы, элементарные предметы домашней утвари, старая поношенная одежда и обувь и т.п.).
Марио Мерц без названия
Движение Арте повера возникло как ответ на повышенный интеллектуализм и рационализм минимализма и концептуализма, с их дорогостоящими материалами и технологиями изготовления объектов искусства. Художники Арте повера, создавая свои работы, обратились к «миру простых вещей», сиюминутно окружающих человека, стремились выявить особую поэтику обыденного, играя на контрастах – вырывая вещи из привычного контекста и помещая их в иную реальность, реальность роскошных дворцовых залов и музейных помещений.
Л.Фонтана Название
При этом особое внимание уделялось разнородности предметов (гипсовые слепки голов с античных статуй и мешки с углем или газовые горелки), материалам недолговечным, изменяющимся под воздействием атмосферы или в силу их химических и физических свойств (таким как воск, губка, резина и т.п.). Это придавало произведениям Арте повера определенную художественную символику, не поддающуюся однозначному толкованию. Искусство, окружая нас повсюду, мимолетно и неуловимо, как миг жизни. Оно эфемерно. А значит и бесполезно, но в этом и его красота.
Мастера Арте повера: Марио Мерц, Яннис Кунеллис, Лусио Фонтана, Джованни Ансельмо, Джулио Паолини, Джильберто Цорио, Пино Паскали, Алигьеро Боэтти, Марио Чероли, Лучано Фебри, Джузеппе Пенони, Микеланджело Пистолетто
БАРОККО
Микеланджело Меризи де Караваджо, Вакх.1593 — 1594 года. Галерея Уффици. Флоренция. Италия
Барокко — один из больших стилей, который главенствовал в архитектуре и искусстве европейских стран, начиная с конца 16 и до середины 18 веков.
Родина барокко (итал. barocco — причудливый, странный) — Италия, где утверждение нового стиля означало конец Ренессанса с его гармоническим мировосприятием, верой в безграничные возможности человеческого разума и упорядоченность вселенского бытия.
Главными характеристиками барокко стали масштабность, обилие декора, бурная динамика, стремление к иллюзорным эффектам в организации пространства интерьера — увеличение размеров помещений с помощью зеркал; высоты залов благодаря живописным плафонам, имеющим сложное решение перспективы.
Все это отвечало новой картине мироздания — изменчивой, конфликтной, где отживающее и рождающееся находятся в постоянном противоборстве, а человек с его страстями, запутанным, сложным внутренним миром часто оказывается во власти иррациональных сил.
Симон Вуэ,Святая Цецилия с ангелом. Первая половина 17 века. Венгерский музей изобразительных искусств. Будапешт. Венгрия
Не случайно барокко уходит от ясности и простоты, предпочитая геометрической строгости, прямой линии изысканную кривую; упорядоченному движению — вихреобразное; локальному цвету — мерцающие, меняющиеся под воздействием светотени золотистые тона или яркие, праздничные, неожиданно дисгармоничные в своем победном звучании.
Барокко поражает эффектными интерьерами, напоминающими театральные декорации, контрастным сочетанием использованных для их отделки материалов и фактур, а порой и шокирующим включением в произведения искусства «реальных» деталей, например настоящих зубов и волос в женские статуи.
Стиль барокко создал неповторимую ансамблевость, свойственный только ему синтез архитектуры, монументального и декоративно-прикладного искусства.
В каждой европейской стране барокко имеет свою специфику при сохранении основных особенностей стиля. Так, на родине, в Италии, этот стиль реализовался наиболее ярко и по времени раньше, чем, например, во Франции, где ведущая роль в XVII в. принадлежала классицизму.
В России развитие барокко приходится на первую половину и середину XVIII в. Свободное от мистической экзальтации, свойственной этому стилю в католических странах, искусство барокко в России прославляет крепнущую самодержавную власть.
В 1-й половине XVIII в. барокко повсеместно эволюционирует к грациозной лёгкости стиля рококо, сосуществует и переплетается с ним, а с 1760-х гг. вытесняется классицизмом..
БАУХАУЗ
Ancient Sound, Abstract on Black by Paul Klee 1925
Баухаус (нем. Bauhaus – «дом строительства»), Высшая школа строительства и художественного конструирования, основанная немецким архитектором В.Гропиусом в Веймаре в 1919 г.)
По замыслу автора, Баухаус был призван объединить «разошедшиеся» искусство, ремесло и технику в «единое художественное производство», соединить их в форме средневековых строительных гильдий, но на новой научно-технической основе. Вначале все студенты проходили 6-месячный курс предварительного обучения, где изучали свойства материалов и основы ремесел, а также теорию формы и рисунка. После этого их допускали к работе в мастерских: творческой и производственной, где упор делался на практике занятия. В зависимости от склонностей учащихся из них готовили архитекторов, художников-конструкторов, фотографов, дизайнеров.
Пауль Клее: Klee Analysis of Various Perversities, 1922, Collection
Особое внимание В.Гропиус уделял отбору преподавателей, разделявших его убеждения: в разные годы здесь работали художники В.Кандинский, П.Клее, О.Шлеммер, Л.Файнингер, дизайнеры Л.Мохоли-Надь и Й.Иттен.
Расцвет Баухауса связан с Веймарским периодом, отмеченным влиянием неоромантизма. В 1925 году Баухаус переехал в Дессау и разместился в выполненном по проекту В.Гропиуса здании, считающимся одним из шедевров архитектуры функционализма. Период в Дессау отмечен усилением техницистски-утилитарных тенденций, складыванием собственного стиля Баухаус, характеризующегося четкостью форм, минимализмом средств, типовым проектированием, совершенствованием индустриальных методов и материалов.
Vasily Kandinsky, St. George and the Dragon (1914-15).
В 1928 году пост директора занял швейцарский архитектор Х.Майер. Однако новшества, введенные им (изучение общественных наук), вызвали недовольство со стороны преподавателей и студентов, и в 1930 году Баухаус возглавил немецкий архитектор Л.Мис Ван дер Роэ, остававшийся директором вплоть до закрытия этого учебного заведения нацистами 1933 году.
Wassily Kandinsky. Untitled First Abstract Watercolor. 1910 -1913
Однако, принципы и методы обучения Баухаус были подхвачены в других странах, а его идеи оказали глубокое воздействие на развитие прикладного и изобразительного искусства ( от книжной графики и рекламы до мебели и предметов утвари).
Мастера Баухаус: Вальтер Гропиус, Людвиг Мисс Ван дер Роэ, Василий Кандинский, Пауль Клее, Оскар Шлеммер, Лионель Файнингер, Ласло Мохоли-Надь, Йозеф Альберс, Герхард Маркс, Марсель Брейер, Макс Билль, Йоханнес Иттен, Херберт Байер, Ханс Майер.
ВЕРИЗМ
Д. Фаттори. На побережье.1893
Веризм ( итал.verismo от vero — правдивый, истинный) — направление в итальянской художественной культуре последней трети 19 века, возникшее первоначально в литературе и музыке, затем распространившееся и на изобразительное искусство.
Принципы веризма сформировались главным образом под влиянием французского натурализма. Опираясь на творчество Э.Золя, Г.Флобера и Г. де Мопассана, веристы ставили главными задачами своего творчества объективность и научный подход к изучению фактов (с позиций позитивизма) в изображении жизненных реалий современного итальянского общества, быта и психологии простых людей. Национальное своеобразие этого течения проявилось в глубоком сочувствии угнетенному трудовому народу, жизнь которого (в основном крестьянства и бедняков провинции) явилась основным содержанием романов и новелл теоретиков веризма — Дж. Верги, Л.Капуаны, Д.Чамполи, оперных произведений П.Масканьи, Р. Леонкавалло, Дж.Пуччини.
С.Лега Итальянские Барсальеры,ведущие пленных австрийцев, 1861
В изобразительном искусстве непосредственными предшественниками веристов были художники флорентийской школы «Маккьяйоли», обратившиеся в своем творчестве к темам национально-освободительной борьбы итальянского народа, городской и сельской жизни. В живописи веризм был представлен преимущественно неаполитанскими мастерами, развивавшими социально-критические тенденции в искусстве (борьба рабочего класса за свои права, тяжелый крестьянский быт) и создавшими целую галерею образов выдающихся деятелей итальянской истории и культуры.
Однако веристы не видели общественной возможности устранения социальной несправедливости; в их творчестве преобладали настроения пессимизма и обреченности, пассивно-натуралистическое восприятие действительности (в литературе и живописи) или мелодраматизм, поверхностная иллюстративность, преувеличенная эмоциональность (в музыке). Не получив широкого распространения в изобразительном искусстве Италии, веризм тем не менее сыграл важную роль в развитии реалистических тенденций в мировом художественном процессе.
Мастера Веризма: Франческо Паоло Микетти, Джузеппе Пелицца да Вольпедо, Винченцо Вела, Франческо Айец, Джованни Фаттори, Сильвестро Лега.
ВИДЕО-АРТ
Нам Джун Пайк Семья Роботов,1976
Видео — арт (англ. video art), направление в изоискусстве последней трети 20 в., использующее возможности видеотехники. В отличие от собственно телевидения, рассчитанного на трансляцию для массового зрителя, видео-арт применяет телеприемники, видеокамеры и мониторы в уникальных хэппенингах, а также производит экспериментальные фильмы в духе концептуального искусства, которые демонстрируются в специальных выставочных пространствах. С помощью современной электроники показывает как бы «мозг в действии», — наглядный путь от художественной идеи к ее воплощению. Главный основоположник видео-арта — американец корейского происхождения Нам Чжун Пайк. Искусство, использующее телевизионные технологии — видеоарт, — как раз и возникло из протеста против засилья массовой культуры, высшим воплощением которой считается телевещание. «Отцы» видеоарта Нам Чжун Пайк и Вольф Фостель каждый по-своему иронизировали над добропорядочными гражданами, усаживающимися каждый вечер отдыхать перед телевизором. Вольф Фостель в 60-е годы устраивал хэппенинги, на которых телевизоры забрасывали кремовыми тортами, обвязывали колючей проволокой, торжественно погребали и даже расстреливали из автоматов. Нам Чжун Пайк, музыкант по образованию, поступал тоньше. Начав с опытов «визуализации музыки», он перешел к созданию подобий живых существ с головой, руками и туловищем из мониторов разных размеров и соответствующими изображениями, называя их «Мама», «Папа», «Ребенок», «Тетя», «Дядя» и т.п.
Нам Джун Пайк Новая работа, 1983
Возникнув в 60-е годы, когда еще даже не было видеокамер, видеоарт считается молодым видом искусства. Как всегда, в начале он был уделом одиночек-энтузиастов, но уже в конце 80-х стало ясно, что видео таит неисчислимые возможности для обогащения выразительных средств искусства. Немалую роль сыграли в этом работы Билла Виолы, создавшего целый мир удивительных и завораживающих образов, в которых реальность и фантазия переплетены так изощренно, что из них рождается некая «новая реальность».Теперь уже всем понятно, что для двадцатого века имена видеохудожников Виолы и Пайка так же значимы, как для девятнадцатого — имена Моне и Ван Гога.Хорошее искусство всегда сильно воздействует на человека — пробуждает в нем чувства, мысли, идеи, поступки. Видеоарт располагает техническими средствами воздействия, которые сильнее живописи, графики, скульптуры. Пожалуй, по остроте воздействия с видеоискусством может соперничать только сама жизнь. Не случайно это самое правдоподобное из всех искусств Вольфом Фостелем было названо «бегством в действительность».
ГЕОМЕТРИЧЕСКАЯ АБСТРАКЦИЯ
Любовь Попова Композиция,1917
Геометрическая абстракция ( другие названия – холодная абстракция, логический, интеллектуальный абстракционизм) – течение в абстрактном искусстве в основе которого лежит создание художественного пространства путем сочетания различных геометрических форм, цветных плоскостей, прямых и ломаных линий.
Геометрическая абстракция выросла из исканий поля Сезанна и кубистов, которые первыми пошли по пути деформации натуры в поисках «новой реальности». Она имела целый ряд разветвлений. В России это был лучизм М.Ларионова, возникший как своеобразная реакция на новейшие открытия в физике; «беспредметничество» О.Розановой, Л.Поповой и В.Татлина, переросшее позднее в конструктивизм; суперматизм К.Малевича, в котором беспредметность рассматривалась как «новый живописный реализм»; во Франции – отчасти орфизм Роббера Делоне; но главным его представителем была голландская группа «Стиль» («Де Стейл») во главе с П.Мондрианом и Т.Ван Дусбургом, выдвинувшая концепцию неопластицизма – искусства чистой пластики, задача которого заключалась в очищении природы от иллюзорного многообразия и обнажения таящейся в ней первичной схемы.
Михаил Ларионов Купальщицы,1909
Геометрическая абстракция, оказав значительное влияние на становление современной архитектуры, развитие дизайна, промышленного, декоративно-прикладного искусства, оставалась доминирующим направлением в искусстве вплоть до окончания
Второй Мировой войны. В 1950-е гг. На первый план выходят «лирические течения абстракционизма» (ташизм, абстрактный экспрессионизм).
Ольга Розанова Композиция с поездом, 1911
Однако в 1960-е гг., с появлением на художественной арене минимализма о оп-арта, геометрическая абстракция получает второе рождение.
Мастера геометрической абстракции: Казимир Малевич, Михаил Ларионов, Ольга Розанова, Любовь Попова, Роббер Делоне, Пит Мондриан, Тео Ван Дусбург, Йозеф Альберс, Фрэнк Стела, Жюль Олицки, Виктор Вазарели, Бриджит Райли
ГИПЕРРЕАЛИЗМ
Ричард Эстес. Улица
Гиперреализм (англ. Hyperrealism – сверхреализм; другие названия – суперреализм, фотореализм, холодный реализм, радикальный реализм) — художественное направление в живописи и скульптуре, возникшее в США в 1960-х гг, и распространившееся в 1970-х гг. в Европе.
Являясь формой фигуративного искусства, гиперреализм основывается на доскональной точности и детальности воспроизведения действительности, имитирующей специфику фотографии. Произведения гиперреалистов представляют собой детально копированные фотографии, увеличенные до размеров большого полотна.
Дон Эдди. Старые модели автомобилей
Некоторые художники, работавшие в этом направлении, на самом деле использовали фотографии и цветные слайды как основу для своих работ. При этом сохранялись все особенности фотоизображения, для чего художниками использовались механические приемы копирования: диапроекция, лессировка, аэрограф вместо кисти, эмульсионное покрытие и т.д. Применение таких технологий было не случайным: оно подчеркивало механистичность , устраняло из процесса создания человеческое присутствие, как бы стараясь не допустить собственное, личное видение мира художником. Возможно поэтому мир гиперреализма кажется неживой, холодной, отстраненной от зрителя сверхреальностью.
Ральф Гоингс. Летний день
Цель гиперреализма – изображение повседневных реалий, а главные темы – обезличенная механизированная жизнь современного города, обезличенная живая система в жестком и грубом мире. Его сюжеты нарочито банальны, а образы – подчеркнуто «объективны». Автомобили, жилые дома, рестораны, бензоколонки, телефонные будки, рекламные щиты и редко живые люди – «персонажи с улицы», изображения которых имеют иронический оттенок или полны безысходности. На картинах вырастает образ реальности, но не настоящей, а отраженной своей множественностью в стеклянных витринах магазинов, в полированных кузовах автомобилей, отшлифованных до блеска граните. Точно воспроизведенная художником игра этих отражений создает впечатления взаимопроникновения пространственных зон, запутанного соотношения планов, дезориентируя зрителя, порождая чувство ирреальности.
Мастера гиперреализма: Дон Эдди, Ричард Эстес, Чак Клоуз, Ральф Гоингс, Малколм Морли, Мэл Рамос, Одри Флэк, Роберт Коттингем, Бэн Шонцайт, Ждон де Андреа, Дуэйн Хэнсон, Грэхем Дин, Майкл Инглиш, Майкл Леонард.