Из всех стилей в одежде, используемых в современном мире, классический стиль кажется всем максимально хорошо знакомым. Однако на самом деле его часто путают с другими стилевыми направлениями, маскирующимися под него. Впрочем, современная одежда часто имеет приметы сразу нескольких стилевых направлений, что делает ее более универсальной. Поэтому в такой маскировке нет ничего страшного. Однако истинным леди не помешает знать, что представляет из себя классический стиль в одежде в чистом виде. Мы приведем его подробное описание, покажем его примеры в современной одежде, проиллюстрировав их фотографиями.
Содержание
- Какой образ помогает создать классический стиль
- Приметы классического стиля в одежде
- Цвет
- Фактура ткани
- Рисунки
- Фасоны
Какой образ помогает создать классический стиль
Классический стиль в одежде несет гармонию, упорядоченность, безмятежность. Это откладывает отпечаток на создаваемом с помощью его образе. Женщина в одежде классического стиля кажется окружающим:
- консервативной, ратующей за все общепринятое, проверенное временем, с настороженностью относящейся к инновациям;
- строгой и требовательной к себе и окружающим;
- педантичной, пунктуальной и любящей точность во всем, не нарушающей правил и предпочитающей действовать строго «по протоколу»;
- лаконичной, не одобряющей каких-либо излишеств;
- сдержанной во всем, в том числе в проявлении эмоций;
- спокойной, уравновешенной, где-то даже безмятежной, не подверженной страстям;
- элегантной, обладающей утонченным вкусом, не любящей роскоши, небрежности, неряшливости в одежде.
Такой имидж хорош для бизнес-леди, политического лидера, руководительницы солидной организации, банковского работника или почтового работника, юриста. А вот работнице творческой сферы, от которой ждут креативных решений и немыслимых идей, он не подойдет. Не уместен он и на свидании, когда от девушки ждут теплых чувств и искренних эмоций. Поэтому даже если вы чувствуете, что классический стиль в одежде полностью отражает ваше «я», ему нужно иногда «изменять», дополняя элементами других стилевых направлений (натурального, романтического, драматического).
Происхождение
Стиль стал своеобразным спасением от оков формальной одежды в офисе в начале 90-х, когда миллионерами в Силиконовой долине становились длинноволосые ребята в штанах хаки и джинсах. Тогда мировые корпорации вынуждены были пойти на ослабление внутреннего дресс-кода в своих компаниях, для того чтобы сотрудничать с новыми богатыми американцами. Именно в этот момент тренд начинает свою историю.
Признаки
Итак, стиль кэжуал для мужчин — основные атрибуты:
Пойдем снизу вверх. Обувь. Лоферы , дезерты, броги
и даже кеды:
Главное, не чисто классические ботинки и не work boots (рабочие ботинки)
Носки. Здесь могут быть любые варианты, даже достаточно яркие и с рисунком. Помните о гармонии цветов и сочетании с еще хотя бы одним предметом вашего комплекта одежды — например, галстуком. Подробнее об этом читайте статью о мужских носках. Кстати, сейчас идет такой тренд, что летом их можно вообще не надевать.
Джинсы, чинос. Здесь я бы посоветовал руководствоваться обстоятельствами и характером вашего места работы. Демократичный дресс-код позволит носить искусственно состаренные джинсы с дырками, да еще подвернуть штанину, чтобы была полностью видна обувь. Однако в более строгих организациях вам придется отказаться от этого и придерживаться темных джинсов без ярких простроченных швов. Чинос, в этом случае, должны иметь стрелки.
Длина должна быть такова, чтобы внизу была одна едва уловимая складка. Если мы говорим о зиме, то штаны из шерсти — отличный вариант. Карго тоже допустимый вариант. Это такие штаны с карманами по бокам, как у парня справа на фото.
Ремень. Узкий кожаный ремень, который желательно сочетать с обувью (если вы нарушите данное правило в официальной одежде то это будет ошибкой, — в стиле кэжуал есть простор для вашей фантазии). Вот несколько вариантов.
Синий блейзер. Один из главных символов мужской элегантности с давней историей. Изначально был только с железными пуговицами, но сейчас это правило имеет множество исключений.
Твидовый пиджак — неизменный компонент мужского стиля вот уже много лет. Хорош для прохладного времени года. Лучше брать одно- или двух-пуговичный. Ну и конечно, не забываем про то, что застегивать нижнюю пуговицу не нужно. Кстати, как альтернативу, можно использовать вельветовый пиджак. Как видно по фото, твидовый пиджак и чинос горчичного цвета превосходно сочетаются.
Серый кардиган. Серый — вообще один из самых знаковых цветов стиля, поэтому смело берите вещи этих оттенков. Оставьте одну или две пуговицы внизу расстегнутыми, верхнюю — по желанию.
Свитер с V-образным вырезом. Также важный элемент. Придает стройности владельцу, а еще прекрасно сочетается с галстуком. Подробнее про виды мужских свитеров читайте здесь.
Примеры часов. Не классические и не спортивные, а что-то среднее.
Вот, пожалуй, основные составляющие — кирпичики, из которых вы будете строить свой яркий неповторимый образ человека, обладающего вкусом. Ну и, конечно, не забывайте об азбучных истинах — гармонии цветов и подходящем размере.
Давайте повторим, что же такое стиль кэжуал для мужчин. Смысл этого понятия — выглядеть презентабельно-консервативно и в то же время выразительно-стильно. Я думаю, это наиболее точное определение, отражающее суть.
Еще больше интересных материалов в наших группах:ВКонтактеFacebookTwitterКанал в Телеграме
- VKontakte
Teddy-boys: «Хороший внешний вид — не гарантия хорошего поведения»
В 50-х годах Великобритания уже начала отходить от Второй мировой войны, но до полного преодоления экономического кризиса было еще далеко. Это привело к тому, что большинство молодежи не могли позволить себе оплату образования, а следовательно — имели мизерные шансы на хорошую работу. Однако некоторой финансовой независимостью они все же обладали, а раз учиться не могли, то тратили деньги на красивую одежду.
«Тедди-боями» их прозвали за манеру подражать стилю одежды эпохи правления короля Эдуарда VII (Тед — сокращенное от Эдвард), а типичный «Тедди-бой» одевался в:
- брюки-дудочки;
- галстук в форме бантика (как у героев вестернов);
- сюртук, обязательно имеющий двойной воротник.
Несмотря на аккуратный внешний вид, послушанием ребята не отличались: большинство имело проблемы с законом и входило в различные преступные группировки. Как они сами о себе говорили: «Если мы хорошо выглядим, это не значит, что мы должны себя хорошо вести».
Просуществовала субкультура недолго: уже к концу 50-х Casual стал видоизменяться, а сами «Тедди» постепенно исчезли с улиц. Советские «стиляги», к слову, брали пример именно с них, создавая отечественный кэжуал.
Modos: хороший внешний вид стоит денег
Моды (Modos) переняли стиль Casual у «Тедди», но внесли в него много своего. Представителями этой субкультуры была все та же молодежь, но уже более законопослушная и с большим достатком. Очевидцы говорят, что у многих «модов» костюмы стоили больше, чем у их начальников. Классический «кэжуал-прикид» Modos состоял из:
- нейлоновой рубашки с узким воротничком;
- тонкого галстука;
- начищенных до блеска узконосых ботинок;
- дорогой шерстяной костюм;
- куртку из кожзама на молнии.
Если говорить о знаменитостях, носивших такую одежду, то это, разумеется, The Beatles, однако большой отклик субкультура нашла также в музыке Small Faces, Kinks и The Who. Последние в 1973 году выпустили альбом Quadrophenia, на основе которого через шесть лет сняли одноименный фильм, где главными героями выступали как раз «моды».
Как и Teddy-boys, «Моды» недолго были на модном Олимпе: уже к концу 60-х их вытеснили скинхеды и хиппи, а после пальма первенства перешла к панкам. Примерно на 10 лет стиль Casual пропал с горизонта, чтобы вернуться в новом обличии.
Как футбольные фанаты рассказали миру о Casual
Весь мир знает, с какой страстью английские фанаты болеют за свои любимые клубы. Для них это не просто поддержка команды — это их жизнь. В 70-е годы быть частью такой субкультуры означало знание всех кричалок, посещение всех матчей, а также определенный стиль одежды, чтобы «свои» всегда могли узнать. До сих пор ведутся споры о том, где появились первые «кэжуалы»: в Манчестере или Ливерпуле, но с точки зрения моды это не столь важно. Куда значимее то, что именно футбольных фанатов стали называть Casuals, то есть полноценно стиль возник именно благодаря им.
Повседневной одеждой для них были:
- теннисные рубашки (особенно в почете был Lacoste);
- кроссовки от Adidas и Diadora;
- джинсы Levi’s.
Следуя за любимыми клубами на выездные матчи в другие страны, они привозили с собой не только свою страсть, но и стиль, который после их отъезда перенимали местные болельщики. В 70-80-е годы завсегдатаями модных бутиков были не бизнесмены, а именно фанаты, опустошающие полки с брендовой одеждой.
Виды современного Casual
Современный кэжуал имеет несколько течений:
- Business-casual (бизнес-кэжуал). Сочетает в себе демократичность и классику, но не лишен смелых идей. Необычные расцветки, использование разного трикотажа и т.д. Несмотря на некоторую строгость, стиль допускает отсутствие галстука, спортивную обувь, расстегнутую рубашку, ношение пуловеров и все в таком духе.
- Smart-casual (cмарт-кэжуал). Больше свободы и простоты, больше аксессуаров и нестандартных решений: водолазки, джинсы, кеды, кардиганы. Думаете, Стив Джобс был неряхой? Нет, он просто одевался в стиле кэжуал.
- All-out-casual (ол-аут-кэжуал). Сочетает спортивные и обычные вещи, вроде вроде маек и свитеров. Вещи не должны быть идеально новыми: некоторая потертость и изношенность только подчеркивает стиль. В него также отлично вписываются рюкзаки, чему уделяют внимание многие известные бренды, например — Fjallraven с их линейкой Kanken.
- Street-casual (стрит-кэжуал). Позволяет больше всех других заявить о своей индивидуальности яркими цветами и фасонами. Самый сложный, если можно так сказать, ведь грань между неряшливой нелепостью и Street-casual так тонка, что почувствовать ее могут лишь люди с отменным чувством стиля.
- Sport-casual (спорт-кэжуал). Это джинсы, приправленные спортивной одеждой: кеды, бейсболки, «дутые» безрукавки и т.д. Особой популярностью сейчас пользуются анораки таких фирм, как Napapijri.
АБСТРАКТНЫЙ ЭКСПРЕССИОНИЗМ
Дж.Поллок. Моби Дик.1943
Течение в абстрактном искусстве, возникшее в США в 1940-х годах, и представленное главным образом творчеством художников Нью-Йоркской школы. Абстрактный экспрессионизм продолжил «освобождение» искусства от какого-либо контроля разума и логических законов, поставив своей целью спонтанное выражение внутреннего мира художника, его подсознания в хаотических, абстрактных формах и взяв за главный творческий принцип самопроизвольное, автоматическое нанесение красок на холст, происходящее исключительно под влиянием психических и эмоциональных состояний….
Ф.Клайн. Чёрное на зелёном,красном и жёлтом.1948
В стремительном ритме художники покрывали поверхность холста крупными энергичными мазками, при этом нередко прибегая к приему дриппинга (разбрызгивание краски или выдавливание из тюбика). Процесс создания картины часто происходил публично: перед зрительской аудиторией разыгрывался целый спектакль, в котором жесты и движения художника играли такую же активную роль, как и потоки краски, падающие и разливающиеся по холсту.
Абстрактный экспрессионизм доминировал в американской культуре вплоть до начала 1960-х годов, став одним из первых серьезных течений в американской живописи и повлияв на процесс развития всего мирового искусства.
АБСТРАКЦИОНИЗМ
В.Кандинский. Композиция 8 1913.
Одно из главных художественных направлений в искусстве 20 века, в котором структура произведения основывается исключительно на формальных элементах — линии, цветовом пятне, отвлеченной конфигурации. Произведения абстракционизма отрешены от форм самой жизни: беспредметные композиции воплощают субъективные впечатления и фантазии художника, поток его сознания, они порождают свободные ассоциации, движения мысли и эмоциональные сопереживания.
Нельзя назвать ни точного времени возникновения абстракционизма, ни его основоположника. Признанными вдохновителями абстракционизма считаются художники Василий Кандинский, Казимир Малевич, Пит Модриан, Франтишек Купка, Робер Делоне, изложившие основные положения этого направления в своих теоретических трудах и программных заявлениях.
Ф.Леже Девушка с цветком. 1954
Абстракционизм зародился как узкое направление в изобразительном искусстве. В начале1930-х годов стали возникать объединения абстракционистов («конкретное искусство» — 1930 год, «круг и квадрат» — 1930 год, и другие), которые собирали под свои знамена художников разных национальностей и направлений. К середине 1930-х годов интерес к абстракционизму резко упал, и эти объединения распались. Новое рождение он обрел в США, где в начале 1940-х годов появился абстрактный экспрессионизм, оперирующий беспредметными формами для спонтанного выражения внутреннего мира художника.
Последней популярной разновидностью абстракционизма стал зародившийся в 1960-х годах поп-арт, после чего абстрактное искусство ушло в тень.
АВАНГАРДИЗМ
П. Пикассо Три музыканта 1921
Совокупность новаторских, бунтарских течений и направлений в художественной культуре 20 века. На разных исторических этапах роль авангарда играли сменявшие друг друга течения: 1900–1910-е годы — время появления фовизма, кубизма, футуризма, экспрессионизма, дадаизма, абстрактного искусства; в 1920–1930-х годах на первый план выходит сюрреализм; в послевоенный период возникают новые течения абстракционизма — абстрактный экспрессионизм, ташизм, неформальное искусство и др.; 1960–1970-е годы — переходная эпоха от «классического» авангарда к неоавангарду, или постмодернизму, с его составляющими — акционизмом, поп-артом, концептуализмом, кинетическим искусством и другими арт-практиками.
АКАДЕМИЗМ
А.Кабанель Федра. 1880
Направление в изобразительном искусстве, базой развития которого служат художественные академии. История развития академизма связана с «Академией вступивших на правильный путь» в Болонье (около 1585 года), французской Королевской академией живописи и скульптуры (1648 год), и российской Академией трех знатнейших художеств (1757 год). В основе деятельности всех заведений лежала строго регламентированная система обучения, ориентированная на великие достижения предшествующих эпох — Античности и итальянского Возрождения, откуда сознательно отбирались отдельные качества классического искусства, принимавшиеся идеальными непревзойденными.
Путь академизма в искусстве не был отмечен какими-либо великими открытиями или достижениями. В силу своей искусственности («сделанности») и эклектичности, он не является художественным стилем.
А.Бугро Отдых во время жатвы. 1865
Расцвет академизма пришелся на 19 век. Во Франции это направление связано с творчеством таких прославленных мастеров, как Жан Огюст Доминик Энгр, Адольф Вильям Бугро, Александр Кабрнель, Поль Деларош, Жан-Леон Жером, Поль Жозеф Жамен, чьи работы отличаются непревзойденным мастерством исполнения.
Петербургская Академия художеств также взрастила в своих стенах плеяду всемирно известных художников-академистов — Карла Брюлова, Александра Иванова, Генриха Семирадского, Федора Бруни.
А.Альма-Тадема Обнаружение Моисея.1904
В наше время понятие «академизм» вышло за рамки художественного направления: оно получило дополнительное значение и стало применяться по отношению к работам художников, имеющих систематическое художественное образование и классические навыки выполнения произведений высокого уровня технического мастерства.
АКЦИОНИЗМ
Христо и Хан-Клод. Ворота №53 2006
Общее название ряда форм, возникших в авангардистском искусстве 1960-х годов.
Стремление стереть грань между искусством и действительностью приводит художников-авангардистов к поискам новых способов художественного выражения, отличных от традиционных (т.е. статичных) форм, придающих динамику произведению, вовлекая в какое-либо действо (акцию). Акция (или искусство акции) становится общим понятием для художественных практик, в которых акцент переносится с самого произведения на процесс его создания.
К.Ольденбург. Ложка мост,удерживающая вишню. 1985
Истоки Акционизма следует искать в выступлениях дадаистов и сюрреалистов, в деятельности абстракционистов (в частности Д. Поллока), исповедующих принцип экспрессивного письма — «живопись действия».
АНАХРОНИЗМ
К.М. Мариани Рука, ведомая разумом.1983
Одно из течений постмодернистской живописи, предлагающее авторскую интерпретацию искусства прошлого. Явившись результатом отрицания модернизма (т.е. авангардистского направления в искусстве), постмодернизм объявил своей целью возврат к срарым формам, историческим традициям, стилям предшествующей многовековой культуры. В поисках новых форм художники-постмодернисты смешивают художественные стили различных эпох и культур, создавая на этой основе индивидуальную мифологию, соотнесенную с личным опытом автора.
Анахронизм возник в конце 1970-х годов в Италии, позднее распространился и во Франции. Его важнейшим духовным источником стало творчество Джоджо Де Кирико, обратившегося в 1920-х годах после «метафизического периода» к классическому искусству. Анахронисты или «культурные художники», как они сами себя называют, вдохновляются творчеством мастеров эпохи Возрождения, маньеризма и барокко, которых они перефразируют, пародируют, стремясь вписать классическую традицию в мозаичный контекст постмодернистской культуры.
АНАЛИТИЧЕСКОЕ ИСКУССТВО
П. Филонов. Крестьянская семья 1914
Аналитическое искусство – художественный метод, разработанный и обоснованный Павлом Филоновым в теоретических работах («Канон и закон», 1912; «Сделанные картины», 1914; «Декларация «Мирового расцвета»», 1923) и в собственном живописном творчестве.Отталкиваясь от кубизма как носителя рационалистического начала, Филонов противопоставлял ему принцип органического роста (как растет дерево) художественной формы и «сделанности» картин.
П. Зальцман Тройной автопортрет. 1932
Принцип сделанности – главное положение Аналитического Искусства. Художник «строит» свою картину, как природа «творит» из атомов» и молекул более крупные образования. Понимая, «что в любом объекте не два предиката, форма да цвет, а целый мир видимых и невидимых явлений, их эманаций, реакций, включений, генезиса, бытия, известных или тайных свойств, имеющих в свою очередь иногда бесчисленные предикаты», Филонов был убежден, что все это многообразие свойств может быть пластически выражено в живописи.
При создании произведения художник должен опираться не только на явное, видимое («видящий глаз»), но и на незримое («знающий газ», улавливающий скрытые процессы) – внутренние закономерности строения и функционирования изображаемого предмета. Свое внутреннее «видение» предмета или явления художник претворяет в графическо-живописные конструкции, базирующиеся на «законе органического развития формы», заимствованного у природы (подражать не формам, которые она создает, а методам, которыми «действует») и противопоставляющегося «канону» (искусственно построенных формам).
Татьяна Глебова Цветовой вывод
Постигнув этот закон, художник способен» сделать» некую картину, настолько органичную, что она обладает потенциалом саморазвития как бы без участия в этом процессе самого автора (растет и развивается как все живое в природе).П.Филонов верил, что созданное по его методу искусство, — искусство будущего, которое приведет к «Мировому Расцвету», так как основано на гармоничном взаимодействии человека и природы, на число научных принципах, обращенных к интеллекту зрителя, и развивающего его («быть фактором эволюции интеллекта»).Мастера Аналитического искусства: Павел Филонов, Татьяна Глебова, Алиса Порет, Михаил Цибасов, Софья Заклиновская, Павел Зальцман, Павел Кондратьев, Борис Гурвич, Николай Евграфов, Всеволод Сулимо-Самуйлло, Юрий Хржановский
АНДЕРГРАУНД
Оскар Рабин «Бани (Нюхайте одеколон ‘Москва’)», 1966.
Андеграунд (англ.underground – подполье, подземелье) – в узком смысле – любое некоммерческое, экспериментальное искусство; в широком – понятие и явление, возникшее в США в конце 1950-х гг. и означающее «подпольную» культуру как составную часть так называемой контркультуры, противопоставившей себя ограничениям и условностям, господствовавшим в обществе культуры.Искусство андеграунда, проникнутое духом диссидентства. Отвергает и нарушает принятые в обществе политические, моральные и этические ориентации и типы поведения, внедряя в повседневность асоциальное поведение. Типичная тематика американского и европейского андеграунда – «сексуальная революция», наркотики.
Лев Кропивницкий
В советский период это понятие приобрело несколько иной смысл и более политизированные формы: здесь в силу строгости режима почти всякое неофициальное, т.е. не признанное властями, искусство, включая музыку и литературу, оказывалось андеграундом.С середины 1950-х до конца 1980-х гг. «художественная оппозиция» была представлена деятельностью многих объединений, среди которых наибольшую известность получили группы «Лианозовская» (Е.и Л. Кропивницкие, Л. Мастеркова, О.Рабин и др. (с 1956 до середины 1970-х гг.)), «Сретенский бульвар» (И.Кабаков, Э.Неизвестный, Ю.Соболев, Ю. Соостер и др. (с 1960 до середины 1970-х гг.)), «Коллективные действия» (А.Монастырский, Г. Кизельватер, И.Макаревич, С. Ромашко и другие (с 1975 г.)), «Мухоморы» (С.Гундлах, К.Звездочетов, В.Мироненко и др. (с1978г)). В русле андеграунда развивалось творчество художников, не примкнувших ни к каким объединениям (В.Сидур, А.Зверев, М.Шемякин), а представителей соц-арта (Э.Булатов, В.Комар и А.Меламид), других движений авангардизма «(Группа авангардистов», «Чемпионы мира»).
А. Зверев Портрет 1969
После краха политической системы Советского Союза, а вместе с ней снятия ограничений и запретов на свободу художественного творчества, андеграунд как явление культурной жизни сошел на нет.Мастера андеграунда: Лев Кропивницкий, Любовь Мастеркова, Оскар Рабин, Илья Кабаков, Эрнст Неизвестный, Юрий Соболев, Юло Соостер, Кирилл Звездочетов, Михаил Шемякин, Анатолий Зверев, Вадим Сидур, Виталий Комар, Александр Меламид.
АР БРЮТ
Антони Тапиес Рисунок — 4. Серия Берлинские рисунки.
Ар брют (франц. Art brut – грубое, сырое искусство) – направление в европейском искусстве середины ХХ века, основателем и лидером которого был французский художник Жан Дюбюффе, разработавший концепцию чистого искусства, искусства, отвергающего красоту и гармонию. Каждый человек – художник, для человеческого существа рисовать так же естественно, как говорить или ходить. Не обремененный традициями и знаниями «удушающей культуры», он творит инстинктивно и непосредственно.
Ж. Дюбюффе Джаз-банд, 1955
По мнению Дюбюффе, Ар брют – это творчество в наиболее чистом его проявлении: спонтанный психический выплеск из глубин разума и сознания, запечатленный на бумаге или воплощенный в материале.Он обращается к искусству душевнобольных, людей. Изолированных от общества, считая только их истинными художниками, обладающими тем субъективизмом, который придает человеку подлинную индивидуальность.
Вначале Дюбюффе копировал в своих произведениях их стиль, создавая нарочито примитивные, «варварские» формы и образы, фигуративные и абстрактные, поражающие неожиданными цветовыми решениями и как бы неловкой манерой письма. А в 1948 году вместе с писателем-сюрреалистом Андре Бретоном и испанским художником Антони Тапиесом основал в Париже «Компанию грубого искусства», призванную сохранять и изучать искусство маргиналов. Собранная или коллекция, насчитывающая около 5000 рисунков, живописных картин, предметов и скульптур, легла в основу Музея Ар брюта, основанного в 1976 году в Лозанне (Швейцария).
Ж. Дюбюффе Автопортрет, 1958
В современном искусстве понятие «ар брют» включает в себя творчество людей, существующих вне общества, — душевнобольных инвалидов, всевозможных маргиналов, а также произведения Ж.Дюбюффе, вдохновленные этими образцами. Ар брют является частью более широкого направления – «Аутсайдер арт» (искусство аутсайдеров), ставшего за последнее десятилетие серьезным движением в мировом художественном процессе. Во многом это заслуга радикала и воинствующего интиинтеллектуала Жана Дюбюффе, по-новому взглянувшего на мир.Мастера Ар Брют: Жан Дюбюффе, Антонии Тапиес, Адольф Вельфли, Генри Дангер, Мортон Бартлетт, Роземари Кочи, Пол Хамфри. Юджин фон Брюнхенхайн.
АРТЕ ПОВЕРА
Марио Мерц, проект «Шалаш Петра», 1982 г.
Арте повера (итал. Arte povera – бедное искусство) – направление авангарда, оформившееся в итальянском искусстве в конце 1960 – начале 1970-х гг. и получившее широкое распространение в других европейских странах. В его основе лежало создание инсталляций из промышленных и природных объектов, при этом предпочтение отдавалось наиболее простым, «бедным» материалам (таким как земля, песок, уголь, мусорные отбросы, элементарные предметы домашней утвари, старая поношенная одежда и обувь и т.п.).
Марио Мерц без названия
Движение Арте повера возникло как ответ на повышенный интеллектуализм и рационализм минимализма и концептуализма, с их дорогостоящими материалами и технологиями изготовления объектов искусства. Художники Арте повера, создавая свои работы, обратились к «миру простых вещей», сиюминутно окружающих человека, стремились выявить особую поэтику обыденного, играя на контрастах – вырывая вещи из привычного контекста и помещая их в иную реальность, реальность роскошных дворцовых залов и музейных помещений.
Л.Фонтана Название
При этом особое внимание уделялось разнородности предметов (гипсовые слепки голов с античных статуй и мешки с углем или газовые горелки), материалам недолговечным, изменяющимся под воздействием атмосферы или в силу их химических и физических свойств (таким как воск, губка, резина и т.п.). Это придавало произведениям Арте повера определенную художественную символику, не поддающуюся однозначному толкованию. Искусство, окружая нас повсюду, мимолетно и неуловимо, как миг жизни. Оно эфемерно. А значит и бесполезно, но в этом и его красота.
Мастера Арте повера: Марио Мерц, Яннис Кунеллис, Лусио Фонтана, Джованни Ансельмо, Джулио Паолини, Джильберто Цорио, Пино Паскали, Алигьеро Боэтти, Марио Чероли, Лучано Фебри, Джузеппе Пенони, Микеланджело Пистолетто
БАРОККО
Микеланджело Меризи де Караваджо, Вакх.1593 — 1594 года. Галерея Уффици. Флоренция. Италия
Барокко — один из больших стилей, который главенствовал в архитектуре и искусстве европейских стран, начиная с конца 16 и до середины 18 веков.
Родина барокко (итал. barocco — причудливый, странный) — Италия, где утверждение нового стиля означало конец Ренессанса с его гармоническим мировосприятием, верой в безграничные возможности человеческого разума и упорядоченность вселенского бытия.
Главными характеристиками барокко стали масштабность, обилие декора, бурная динамика, стремление к иллюзорным эффектам в организации пространства интерьера — увеличение размеров помещений с помощью зеркал; высоты залов благодаря живописным плафонам, имеющим сложное решение перспективы.
Все это отвечало новой картине мироздания — изменчивой, конфликтной, где отживающее и рождающееся находятся в постоянном противоборстве, а человек с его страстями, запутанным, сложным внутренним миром часто оказывается во власти иррациональных сил.
Симон Вуэ,Святая Цецилия с ангелом. Первая половина 17 века. Венгерский музей изобразительных искусств. Будапешт. Венгрия
Не случайно барокко уходит от ясности и простоты, предпочитая геометрической строгости, прямой линии изысканную кривую; упорядоченному движению — вихреобразное; локальному цвету — мерцающие, меняющиеся под воздействием светотени золотистые тона или яркие, праздничные, неожиданно дисгармоничные в своем победном звучании.
Барокко поражает эффектными интерьерами, напоминающими театральные декорации, контрастным сочетанием использованных для их отделки материалов и фактур, а порой и шокирующим включением в произведения искусства «реальных» деталей, например настоящих зубов и волос в женские статуи.
Стиль барокко создал неповторимую ансамблевость, свойственный только ему синтез архитектуры, монументального и декоративно-прикладного искусства.
В каждой европейской стране барокко имеет свою специфику при сохранении основных особенностей стиля. Так, на родине, в Италии, этот стиль реализовался наиболее ярко и по времени раньше, чем, например, во Франции, где ведущая роль в XVII в. принадлежала классицизму.
В России развитие барокко приходится на первую половину и середину XVIII в. Свободное от мистической экзальтации, свойственной этому стилю в католических странах, искусство барокко в России прославляет крепнущую самодержавную власть.
В 1-й половине XVIII в. барокко повсеместно эволюционирует к грациозной лёгкости стиля рококо, сосуществует и переплетается с ним, а с 1760-х гг. вытесняется классицизмом..
БАУХАУЗ
Ancient Sound, Abstract on Black by Paul Klee 1925
Баухаус (нем. Bauhaus – «дом строительства»), Высшая школа строительства и художественного конструирования, основанная немецким архитектором В.Гропиусом в Веймаре в 1919 г.)
По замыслу автора, Баухаус был призван объединить «разошедшиеся» искусство, ремесло и технику в «единое художественное производство», соединить их в форме средневековых строительных гильдий, но на новой научно-технической основе. Вначале все студенты проходили 6-месячный курс предварительного обучения, где изучали свойства материалов и основы ремесел, а также теорию формы и рисунка. После этого их допускали к работе в мастерских: творческой и производственной, где упор делался на практике занятия. В зависимости от склонностей учащихся из них готовили архитекторов, художников-конструкторов, фотографов, дизайнеров.
Пауль Клее: Klee Analysis of Various Perversities, 1922, Collection
Особое внимание В.Гропиус уделял отбору преподавателей, разделявших его убеждения: в разные годы здесь работали художники В.Кандинский, П.Клее, О.Шлеммер, Л.Файнингер, дизайнеры Л.Мохоли-Надь и Й.Иттен.
Расцвет Баухауса связан с Веймарским периодом, отмеченным влиянием неоромантизма. В 1925 году Баухаус переехал в Дессау и разместился в выполненном по проекту В.Гропиуса здании, считающимся одним из шедевров архитектуры функционализма. Период в Дессау отмечен усилением техницистски-утилитарных тенденций, складыванием собственного стиля Баухаус, характеризующегося четкостью форм, минимализмом средств, типовым проектированием, совершенствованием индустриальных методов и материалов.
Vasily Kandinsky, St. George and the Dragon (1914-15).
В 1928 году пост директора занял швейцарский архитектор Х.Майер. Однако новшества, введенные им (изучение общественных наук), вызвали недовольство со стороны преподавателей и студентов, и в 1930 году Баухаус возглавил немецкий архитектор Л.Мис Ван дер Роэ, остававшийся директором вплоть до закрытия этого учебного заведения нацистами 1933 году.
Wassily Kandinsky. Untitled First Abstract Watercolor. 1910 -1913
Однако, принципы и методы обучения Баухаус были подхвачены в других странах, а его идеи оказали глубокое воздействие на развитие прикладного и изобразительного искусства ( от книжной графики и рекламы до мебели и предметов утвари).
Мастера Баухаус: Вальтер Гропиус, Людвиг Мисс Ван дер Роэ, Василий Кандинский, Пауль Клее, Оскар Шлеммер, Лионель Файнингер, Ласло Мохоли-Надь, Йозеф Альберс, Герхард Маркс, Марсель Брейер, Макс Билль, Йоханнес Иттен, Херберт Байер, Ханс Майер.
ВЕРИЗМ
Д. Фаттори. На побережье.1893
Веризм ( итал.verismo от vero — правдивый, истинный) — направление в итальянской художественной культуре последней трети 19 века, возникшее первоначально в литературе и музыке, затем распространившееся и на изобразительное искусство.
Принципы веризма сформировались главным образом под влиянием французского натурализма. Опираясь на творчество Э.Золя, Г.Флобера и Г. де Мопассана, веристы ставили главными задачами своего творчества объективность и научный подход к изучению фактов (с позиций позитивизма) в изображении жизненных реалий современного итальянского общества, быта и психологии простых людей. Национальное своеобразие этого течения проявилось в глубоком сочувствии угнетенному трудовому народу, жизнь которого (в основном крестьянства и бедняков провинции) явилась основным содержанием романов и новелл теоретиков веризма — Дж. Верги, Л.Капуаны, Д.Чамполи, оперных произведений П.Масканьи, Р. Леонкавалло, Дж.Пуччини.
С.Лега Итальянские Барсальеры,ведущие пленных австрийцев, 1861
В изобразительном искусстве непосредственными предшественниками веристов были художники флорентийской школы «Маккьяйоли», обратившиеся в своем творчестве к темам национально-освободительной борьбы итальянского народа, городской и сельской жизни. В живописи веризм был представлен преимущественно неаполитанскими мастерами, развивавшими социально-критические тенденции в искусстве (борьба рабочего класса за свои права, тяжелый крестьянский быт) и создавшими целую галерею образов выдающихся деятелей итальянской истории и культуры.
Однако веристы не видели общественной возможности устранения социальной несправедливости; в их творчестве преобладали настроения пессимизма и обреченности, пассивно-натуралистическое восприятие действительности (в литературе и живописи) или мелодраматизм, поверхностная иллюстративность, преувеличенная эмоциональность (в музыке). Не получив широкого распространения в изобразительном искусстве Италии, веризм тем не менее сыграл важную роль в развитии реалистических тенденций в мировом художественном процессе.
Мастера Веризма: Франческо Паоло Микетти, Джузеппе Пелицца да Вольпедо, Винченцо Вела, Франческо Айец, Джованни Фаттори, Сильвестро Лега.
ВИДЕО-АРТ
Нам Джун Пайк Семья Роботов,1976
Видео — арт (англ. video art), направление в изоискусстве последней трети 20 в., использующее возможности видеотехники. В отличие от собственно телевидения, рассчитанного на трансляцию для массового зрителя, видео-арт применяет телеприемники, видеокамеры и мониторы в уникальных хэппенингах, а также производит экспериментальные фильмы в духе концептуального искусства, которые демонстрируются в специальных выставочных пространствах. С помощью современной электроники показывает как бы «мозг в действии», — наглядный путь от художественной идеи к ее воплощению. Главный основоположник видео-арта — американец корейского происхождения Нам Чжун Пайк. Искусство, использующее телевизионные технологии — видеоарт, — как раз и возникло из протеста против засилья массовой культуры, высшим воплощением которой считается телевещание. «Отцы» видеоарта Нам Чжун Пайк и Вольф Фостель каждый по-своему иронизировали над добропорядочными гражданами, усаживающимися каждый вечер отдыхать перед телевизором. Вольф Фостель в 60-е годы устраивал хэппенинги, на которых телевизоры забрасывали кремовыми тортами, обвязывали колючей проволокой, торжественно погребали и даже расстреливали из автоматов. Нам Чжун Пайк, музыкант по образованию, поступал тоньше. Начав с опытов «визуализации музыки», он перешел к созданию подобий живых существ с головой, руками и туловищем из мониторов разных размеров и соответствующими изображениями, называя их «Мама», «Папа», «Ребенок», «Тетя», «Дядя» и т.п.
Нам Джун Пайк Новая работа, 1983
Возникнув в 60-е годы, когда еще даже не было видеокамер, видеоарт считается молодым видом искусства. Как всегда, в начале он был уделом одиночек-энтузиастов, но уже в конце 80-х стало ясно, что видео таит неисчислимые возможности для обогащения выразительных средств искусства. Немалую роль сыграли в этом работы Билла Виолы, создавшего целый мир удивительных и завораживающих образов, в которых реальность и фантазия переплетены так изощренно, что из них рождается некая «новая реальность».Теперь уже всем понятно, что для двадцатого века имена видеохудожников Виолы и Пайка так же значимы, как для девятнадцатого — имена Моне и Ван Гога.Хорошее искусство всегда сильно воздействует на человека — пробуждает в нем чувства, мысли, идеи, поступки. Видеоарт располагает техническими средствами воздействия, которые сильнее живописи, графики, скульптуры. Пожалуй, по остроте воздействия с видеоискусством может соперничать только сама жизнь. Не случайно это самое правдоподобное из всех искусств Вольфом Фостелем было названо «бегством в действительность».
ГЕОМЕТРИЧЕСКАЯ АБСТРАКЦИЯ
Любовь Попова Композиция,1917
Геометрическая абстракция ( другие названия – холодная абстракция, логический, интеллектуальный абстракционизм) – течение в абстрактном искусстве в основе которого лежит создание художественного пространства путем сочетания различных геометрических форм, цветных плоскостей, прямых и ломаных линий.
Геометрическая абстракция выросла из исканий поля Сезанна и кубистов, которые первыми пошли по пути деформации натуры в поисках «новой реальности». Она имела целый ряд разветвлений. В России это был лучизм М.Ларионова, возникший как своеобразная реакция на новейшие открытия в физике; «беспредметничество» О.Розановой, Л.Поповой и В.Татлина, переросшее позднее в конструктивизм; суперматизм К.Малевича, в котором беспредметность рассматривалась как «новый живописный реализм»; во Франции – отчасти орфизм Роббера Делоне; но главным его представителем была голландская группа «Стиль» («Де Стейл») во главе с П.Мондрианом и Т.Ван Дусбургом, выдвинувшая концепцию неопластицизма – искусства чистой пластики, задача которого заключалась в очищении природы от иллюзорного многообразия и обнажения таящейся в ней первичной схемы.
Михаил Ларионов Купальщицы,1909
Геометрическая абстракция, оказав значительное влияние на становление современной архитектуры, развитие дизайна, промышленного, декоративно-прикладного искусства, оставалась доминирующим направлением в искусстве вплоть до окончания
Второй Мировой войны. В 1950-е гг. На первый план выходят «лирические течения абстракционизма» (ташизм, абстрактный экспрессионизм).
Ольга Розанова Композиция с поездом, 1911
Однако в 1960-е гг., с появлением на художественной арене минимализма о оп-арта, геометрическая абстракция получает второе рождение.
Мастера геометрической абстракции: Казимир Малевич, Михаил Ларионов, Ольга Розанова, Любовь Попова, Роббер Делоне, Пит Мондриан, Тео Ван Дусбург, Йозеф Альберс, Фрэнк Стела, Жюль Олицки, Виктор Вазарели, Бриджит Райли
ГИПЕРРЕАЛИЗМ
Ричард Эстес. Улица
Гиперреализм (англ. Hyperrealism – сверхреализм; другие названия – суперреализм, фотореализм, холодный реализм, радикальный реализм) — художественное направление в живописи и скульптуре, возникшее в США в 1960-х гг, и распространившееся в 1970-х гг. в Европе.
Являясь формой фигуративного искусства, гиперреализм основывается на доскональной точности и детальности воспроизведения действительности, имитирующей специфику фотографии. Произведения гиперреалистов представляют собой детально копированные фотографии, увеличенные до размеров большого полотна.
Дон Эдди. Старые модели автомобилей
Некоторые художники, работавшие в этом направлении, на самом деле использовали фотографии и цветные слайды как основу для своих работ. При этом сохранялись все особенности фотоизображения, для чего художниками использовались механические приемы копирования: диапроекция, лессировка, аэрограф вместо кисти, эмульсионное покрытие и т.д. Применение таких технологий было не случайным: оно подчеркивало механистичность , устраняло из процесса создания человеческое присутствие, как бы стараясь не допустить собственное, личное видение мира художником. Возможно поэтому мир гиперреализма кажется неживой, холодной, отстраненной от зрителя сверхреальностью.
Ральф Гоингс. Летний день
Цель гиперреализма – изображение повседневных реалий, а главные темы – обезличенная механизированная жизнь современного города, обезличенная живая система в жестком и грубом мире. Его сюжеты нарочито банальны, а образы – подчеркнуто «объективны». Автомобили, жилые дома, рестораны, бензоколонки, телефонные будки, рекламные щиты и редко живые люди – «персонажи с улицы», изображения которых имеют иронический оттенок или полны безысходности. На картинах вырастает образ реальности, но не настоящей, а отраженной своей множественностью в стеклянных витринах магазинов, в полированных кузовах автомобилей, отшлифованных до блеска граните. Точно воспроизведенная художником игра этих отражений создает впечатления взаимопроникновения пространственных зон, запутанного соотношения планов, дезориентируя зрителя, порождая чувство ирреальности.
Мастера гиперреализма: Дон Эдди, Ричард Эстес, Чак Клоуз, Ральф Гоингс, Малколм Морли, Мэл Рамос, Одри Флэк, Роберт Коттингем, Бэн Шонцайт, Ждон де Андреа, Дуэйн Хэнсон, Грэхем Дин, Майкл Инглиш, Майкл Леонард.
ГРАФФИТИ
Граффити в живописном стиле
Граффити (итал. Graffiti, от graffiare — царапать; другое название spray-art – «пульверизаторное искусство») – произведения, представляющие собой крупноформатные изображения на стенах зданий и сооружений, выполненные с помощью аэрозольных баллончиков с краской.
Граффити пришли их древности: так археологи называли надписи и рисунки, найденные на стенах античных памятников. Как широкое движение оформился в 1970-е гг. с массовым появлением разных надписей на вагонах нью-йоркского метро, на стенах общественных зданий и магазинов. Первыми граффитистами были выходцы из этнических меньшинств и маргиналы, выражавшие подобным образом протест против своего бесправного положения. К началу 1980-х гг. сформировалось уже целое направление полупрофессиональных художников, некоторые даже пытались выставлять свои творения в галереях и получили известность в художественных кругах.
Граффити в живописном стиле
Современное граффити – это ни на что не похожий стиль в монументальном искусстве, символ урбанизации и высоких технологий. В нем можно выделить два направления – сюжетное и шрифтовое. Первое – декоративные композиции на сюжеты «массовой культуры: изображения самолетов, автомобилей, повседневная жизнь, фрагменты фильмов, комиксов, пейзажей и т.д. Второе направление считается high-классом в уличной живописи и являет собой переплетенные в замысловатом узоре слова и аббревиатуры. Здесь сложилось несколько стилей: Bubble (пузырь) – дутые, округлые буквы, похожие друг на друга; Wild Style (дикий стиль) – самый виртуозный стиль, отличающийся нечитаемостью букв; 3D style (объемный стиль) – самый виртуозный стиль, отличающийся абсолютным объемом букв; Messiah Style — буквы, словно написаны на отдельных листах и наложены друг на друга.
Граффити Современная работа
В современной жизни замысловатые рисунки граффити стали неотъемлемой частью городов в самых разных странах мира. Выполненные с невероятной фантазией и мастерством они олицетворяют дух свободного творчества и являют миру непреходящее желание творить Красоту.
Мастера граффити: CRASH, NOC 167, FUTURA 2000, LEE, SEEN, DAZE, TAKI 183, SAMO, SUPER COOL 223, SEND. ROZZ. CHA